服装设计师抄名画 | 算偷懒吗？ 三位一体面试服装搭配：合身 平整 干净
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服装设计师抄名画 | 算偷懒吗？ 前情提要，上一回，我们提到了卢浮宫这个「营销鬼才」。 在卢浮宫积极拓展自身传播度的各种「联名行动」中，和时尚圈联系最紧密和最「官方」的行为，就是和Off-White合作的达芬奇系列了…… 我当时也提到了Masters LV X Koons这个系列，但要澄清一下，这并不算卢浮宫与Louis Vuitton的官方合作。 准确来说，被印在这个系列中的「名画」，都是艺术家Jeff Koons的再创作，灵感基于他知名的系列作品「Gazing Ball」，凝视球。 这个系列的创作，旨在「连接」大师作品和当下：你在看这些大师的画作时，观赏者通过蓝色反光的凝视球，也成了画作的一部分。 虽然我一直觉得有些牵强，但手袋上那些带有反光质感的「大师名字铭牌」，便是蓝色凝视球的「替代品」。 为啥Koons和Louis Vuitton可以这么明目张胆地「挪用」大师之作，来创作属于自己的「消费品」？ 因为根据各国的《著作权法》规定，艺术家的作品在艺术家往生50年（欧盟和有些国家是70年）后，便进入了公共领域，公民即可无偿使用... 这些画家显然都往生已久... 当然也有许多以名画和艺术品为灵感的服装设计，并非直接搬用画作本身。或是使用「挪用主义」的表达、或是通过「蒙太奇」的手法进行拼接... 不管怎么说，艺术品，一直以来都是服装设计师们，最大的灵感宝库... 就拿卢浮宫「女顶流」断臂维纳斯来说，向她致敬的设计师太多了，隔三差五就要走走时装周。 Lanvin 2013 Spring Marni 2019 Spring Jean Paul Gaultier在90s'设计的一众紧身打底衫，不少就印上了维纳斯。因为紧贴身体，和穿着者的身材产生连接，会有种「看着露了其实又没露」的擦边球式性感。 把既有的作品放在合适的新语境下探讨，很难说不是另一种「创新」。 也有设计师逛着逛着博物馆，从古老画作里，直接找到衣服设计本身的灵感。当然也不是照搬原抄，而是进行了现代化处理... LV 2012春夏 灵感来自《织花边的少女》 Elie Saab 2011春季高定 灵感来自提香《镜中女人》 就说刚刚结束不久的四大时装周吧，闲赋在家的设计师们，也没少「博览」艺术作品。 它不一定要是一副画作的「具象」表现，也可以是飘渺的一种氛围。 比如Cecilie Bahnsen 2021春季，你能从lookbook上看出她的灵感来自哪位大师吗？ 闹，就是下面这幅，丹麦画家Peder Severin Kr?yer的水彩画《斯卡恩南部海滩的夏夜》。 Cecilie Bahnsen并没有很直白地复制画中的衣裳，但是无论从色彩、气质、还是lookbook的取景上，都能窥得两者之间的联系。 借鉴名画，算是偷懒投机之举吗？ 答案先放一边。出于何种目的借鉴、借鉴谁、怎么个借鉴法，才是讲究~ 01. 艺术作品的直观运用 直接使用画作中的元素进行再创作，是最常见的手法，但表达的方式，其实也不尽然只是「印刷」那么简单。 最知名的例子：Yves Saint Laurent在1965年秋冬推出的六件以蒙德里安为灵感的服装。 它们将画作安放在了当时流行的shift dress上。方正的箱型廓形裙装和画作的几何感线条稳妥契合，一举成为经典。 Mondrian 创作于1929年的《构图四》，带有红黄蓝 对于同样的画作，意大利设计师Francesco Maria Bandini 对蒙德里安的演绎，就显得比较「破格」。 Francesco Maria bandini 1991 SS 画家用油彩笔刷作为工具，设计师的「笔」，倒是更多一些。可以靠剪刀拼接、可以用针织编织、也可以是刺绣描绘... 刺绣，算是最接近于「作画」的一种过程。 Yves Saint Laurent曾经在1988年春夏高级定制中，向诸多艺术大师致敬，将梵高的鸢尾花、星月夜，保罗塞尚的苹果篮等名作，在衣服上重新「画」了一遍。 Yves Saint Laurent 1988 SS Couture 它的「颜料」，是无数色彩各异的闪片和串珠。工匠以超精密的手艺，重工绣出梵高的??，惊心动魄的美丽…… Maison Margiela，在2014年的高定里，也致敬了梵高。设计师使用了解构手法，将鸢尾花一朵一朵拆开来，每朵花都由珠片和精细的线条制成，再无序地重组在一起。 同一场秀里也还致敬了达利的龙虾，几乎有些超乎二维，??的无数虾须被夸张地演绎，成为了服装的一部分… Raf Simons在Jil Sander任职时，曾经将毕加索的画用针织的技法，「搬」到自己的衣服中。 Jil Sander 2012 Spring 后来他在Dior时，和艺术家好友Sterling Ruby合作，把他的喷漆画，「画」在了高级定制的裙装中。 乍看好像只是简单的布面印花？但并非如此。 因为Sterling的作品颜色非常丰富，普通的布面印花很难还原。这款高定裙装使用的是「经纱印花」技术：颜色并非印在布上，而是印在线上，再通过精密编织去完成「画作」。 何尝不是一个新的艺术作品？ Dior 2012 AW Couture 事实上，如果对一个知名艺术家的作品进行成功的再创作，这个元素，可能会成为一个新的，「艺术标签」。 比如Prada在2013年春夏秀场上，受到安迪沃霍《花》的启发，借鉴并「抽离」了他丝网印刷作品里的花朵的形态，安排到了衣服和手袋上。 Prada 2011 SS 这种形式的花朵和排列，之后又在各种国内外或大众或小众的设计师品牌中被频繁使用，成为了新的「灵感」。 安迪沃霍《花》原本也是「挪用」自一个非授权摄影作品，是不是挺奇妙的 02. 突破二维的立体表达 安迪沃霍还有个著名的丝网印刷作品，《金宝汤罐头》，多年来广受服装设计师的喜爱。 Jean-Charles de Castelbajac 在1984年春夏的这一件，可以算作是最有意思的一件。整件衣服的形状和图案结合，让模特变成了一罐行走的??。 画作是平面的，而人体是立体的，借由人的身体，把艺术作品三维化，也是挺常见的「再创作」。 Moschino 2020春夏这一季，致敬了毕加索，很多造型都脱胎于毕加索的抽象画作。 搞怪如Jeremy Scott，绝不愿意平铺直叙地粘贴图案。他用了立体呈现的手法，把二维的画变成了三维的~ Moschino并不是第一个想到这样做的品牌，Yves Saint Laurent早在1988年就这么干了~ 这些设计致敬了艺术家George Braque，设计师用布料裁出Braque画作中鸽子的形状，再拼贴在服装的不同部位，打造一种白鸽「立体环绕」在模特周围的动态感。 Yves Saint Laurent 1988 SS Thierry Mugler，在1995秋冬的高定上设计了一件粉色的裙装，写意地模波提切利名画《维纳斯的诞生》。 脑洞开出银河系，即使现在看来还是无比有趣。 这种形式，不仅是把画中的元素立体化，可以算是，重现了画作的画面了。 Jean-Paul Gaultier 2007春夏高定中模特的造型，「立体化」了圣母玛利亚的形象。 衣服本身并没有特意复刻，但你就是不自觉能想到波提切利的圣母画像。 Jean Paul Gaultier 2007 SS Couture 波提切利，《圣母玛利亚》，1480